椿昇 / Noboru Tsubaki

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PROFILE

椿昇(つばき・のぼる) コンテンポラリー・アーティスト

京都市立芸術大学美術専攻科修了。

1989年のアゲイ ンストネーチャーに「Fresh gasoline」を出品、展覧会のタイトルを生み、その後の日本のコンテンポラリーアートの方向性に多大な影響をもたらした。

1993年のベネチア・ビエンナーレに出品。

2001年の横浜トリエンナーレでは、巨大なバッタのバルーン《インセクト・ワールド-飛蝗(バッタ)》を発表。

2003年水戸芸術館、2009年京都国立近代美術館、2012年霧島アートの森(鹿児島)にて個展。

一貫してユーモアあふれる巨大な玩具を主にバルーンを用い、現代社会の抱える危機的な状況への警告を内包させている。

また、地域再生のアートプロジェクトのディレクターも努め、瀬戸内国際芸術祭では、2013年「醤+坂手プロジェクト」、2016年「小豆島未来プロジェクト」のディレクターとして大きな経済的成功をもたらした。2017年よりAOMORI トリエンナーレディレクター。

長年にわたってアート教育にも携わり、京都造形芸術大学美術工芸学科の卒展をアートフェア化、内需マーケット育成のためにアルトテックを創設。2018年よりARTISTS’ FAIR KYOTOのディレクターも務め、アートを持続可能社会実現のイノベーションツールと位置づけている。

Noboru Tsubaki (Contemporary artist)

Graduated the Faculty of Fine Arts, Kyoto City University of the Arts. 

He exhibited “Fresh gasoline” at Against Nature in 1989 – his idea becoming the title of the exhibition – and greatly influenced the future Japanese contemporary art scene.

Participated in the Venice Biennale 1993. 

He exhibited the giant inflatable grasshopper “Insect World – Grasshopper” at Yokohama Triennale 2001. 

Held solo exhibitions at Art Tower Mito in 2003, The National Museum of Modern Art, Kyoto in 2009, and Kirishima Open-Air Museum, Kagoshima in 2012.

He consistently uses balloons as a medium to make huge humorous toys that suggest cautions to the critical circumstances of contemporary societies.

He has directed regional art projects “Sakate + Hishio project” in 2013, and “Shodoshima Future Project” in 2016, which brought upon a positive economic impact as part of the Setouchi Triennale. Serves as director for the AOMORI Triennale since 2017.

Engaging in art education over many years at the Fine and Applied Arts Department of Kyoto University of Art and Design, where he currently serves as a professor, he has transformed graduation exhibitions to art fairs, and has founded “ARTOTHÈQUE” to promote the domestic art market. Also as the director of ARTISTS’ FAIR KYOTO since 2018, he positions art as an innovative tool to establish sustainable societies.

STATEMENT

なぜ彼の金箔に描かれた極めてオーソドックスな障屏画がどんどん売れてゆくのか・・。この理由を言語化する事にはおおいにためらいの感情がわく。このように日本の伝統を直接的に感じさせるという危険な方法を取る作家は多く、それらすべてがある種の危険性を我々に感じさせる事を否定するのは難しい。単純に命名するならば”NEORINPA”となるのだろうけれど、そう呼んで商業主義に陥ることにも加担したくはない。ただひとつ言えることは、彼はそのような日本の伝統の延長上に仕事を置いているのではないという事が、黄金の余剰の海にかすかに感じ取れるのである。それはカジミール・マレーヴィチが肉薄したと異なる手法によって、抽象とはなにかという問いを常にいだき続けている事から来るノイズによるものかもしれない。すでに金碧障屏画はその出自から意匠というルールによる抽象化プロセスを内包していたし、そこにイタリアやスイス留学などの経験が挿入され、ハイブリッドな世界が立ち上がっているのだろうと思う。理由はどうであれ、とにかく欲しくなるというのは恐ろしい事である。

 

(品川亮)

 

誰が見ても誰の作品かわかるというイコノロジーを得た作家は強い!彼女の作品は特殊な記号として見た人の間に感染する。私も見た!私も持っている!彼の家にあった!・・。この感染力こそが根源的なアートの力のひとつである事は疑いようがない。誰もが強いシンボルに引き寄せられ、それを自らも持ちたいと願う。もちろん作家たちも常にこのような「神」の降臨を願わぬ日は無いくらいだ。数年前にこの波は東洋の小さな芸術大学の修了展で発生し、またたく間に台湾やマレーシアなどアジアに侵入を開始した。もちろんネットで見る図像においても、網膜の裏にこのブルーは強く刻印されるのだが、ひとたび液晶画面の凡庸さから抜け出して「ナマ」の絵の具の圧力に晒されると異次元のフェティッシュが無防備な我々を襲う。イコノクラスムとフェティッシュの間に通路は無いとブルーノ・ラトゥールは言うが、誰もがそんな忠告を棚上げにして彼女の発射する重力の恩寵に群がろうとする。地球上の全コレクターがこの重力を所有するまで生産し続ける姿を妄想する。

 

(香月美菜)

 

彼女の作品に始めて出逢ったのは京都市立芸大大学院の終了展示であった。アート、特にペインティング分野は世界中で最も才能のある人材が日夜大量に新しいイメージを生産し続けているホットな分野である。スポーツで言えばワールドカップで素晴らしいシュートに遭遇することであり、オペラで言えばテノール歌手とのスリリング出逢いにも似ている。しかしイメージを扱う宿命として、それが一瞬で風化し消費され過去のものとなってゆく残酷さを作家は引き受けなければならない。ゆえに、いつみてもそこに新鮮な発見があり飽きない図像を生み続ける事は容易な事ではない。かつ大量に自在に豊かな色彩とうねる線をからめながら自由奔放に絵筆を走らせ続ける才能に恵まれる事は稀有なことと言わざるを得ない。昨年台湾高尾市のギャラリーのグループショウを企画し、彼女の作品が当地のコレクターたちを熱狂さる姿に遭遇した。彼女の作品にふさわしい言葉を選ぶとすれば「熱狂」がふさわしい。プリマドンナのアリアのあと総立ちのオペラハウスにいるような恍惚感を作品の前で是非感じていただければと思う。

 

(髙木智子)

 

彼は昨年のAFKで突然ブレイクした新星の筆頭株と言えるだろう。しかし新星と呼ぶにはふさわしくない十分なキャリアも兼ね備えていたこと、推薦者の大庭氏の技術指導などもあり、必然的にアートの女神が微笑む事になった。即座に抜け目ない海外のディレクターが彼の作品を購入、その後下鴨茶寮で開催されたプライベートな発表会でも好評を博し、台湾のコマーシャル・ギャラリーで開催されるグループショウにも招待されるなど、今目利きの間で注目株の一人となった。しかし、そのような華々しい事実と裏腹に、作品は「静謐」という言葉以外思いつかないほどの深く静かな画面を持っている。静かな湖面に引き込まれるようなサーフェスを持った一見何の変哲もないような表面には、見飽きることのない自然が広がっている。何かが描かれているわけでもなく、かつ抽象絵画の持つ独特の説教臭さもそこにはない、床の間に立てかけた作品の前に、草むらで切り取ったススキの葉を懐紙に包んで無造作に置くと鳥肌が立った・・。ようやく和の空間にもIT企業のオフィスにも影響を受けない、自律した絵画が誕生して来た事を喜びたい。

 

(和田直祐)

 

この原稿を書いているとき、恐らく内モンゴルの炭鉱に撮影真っ最中ではないだろうか・・。彼は中国籍で日本にも住み英語にも堪能であるというポテンシャルを活かし、学部に入るやいなやパラソフィアで蔡國強のアシスタントとして活動、その後氏の展覧会の度に助っ人として呼ばれ、瀬戸内芸術祭では小豆島のインド招聘作家のアシスタントをするなど、早期にトップスターたちの側でアートの作法を垣間見る事になった。その成果は自然な形で作品に受肉してゆくのだが、彼の資質を一言で言うなら「恐ろしいほどの制作量と移動距離」に尽きる。アーティストとして頭角を現すための魔法や近道などどこにもない事は当然の事として、ひたすら移動し観察し続ける行為のつかの間にシャッターがまたたくだけの事が、平然と行われているという事実が彼を支えている。今年2月の学部卒展で学長賞を得て以来、次々にコンペで賞を取って確実にステップアップしているが、その若さには似つかわしくないほどの「透徹した東洋智」が彼の作品から漂っている事に、大陸の遺伝子の重みを重ね合わせる事に異論は無いだろう。

 

(顧剣亨)

 

努力が報われないのは当然の事として、そんな事を気にも止めず自らのフェティッシュが突き抜けてしまう人間がそこかしこに発生する。アーティストという種族はそんな人達の仲間に違いない。誰かに強いられて行うのが「努力」であるならば、そんなものからは永遠におさらばしているのがアーティストだろう。彼の絵画はとてつもなく分厚い。地層のように何層にも何層にも堆積した油をたっぷり含んだ油田層のような重い重い油泥(絵の具とは呼ばないでおこう)に、絵筆を逆さまにして溝を穿ってゆく。何度も何度も円空や木喰のように油泥に痕跡を残してゆく。それは西欧の長い伝統で生まれた油絵の具や絵筆に対する東洋の在り方の独白のようにも見える。モノクロームの断層が延々と続く画面に吸い込まれたあと、遠い地質時代の地球の呼吸に思いをはせながら、一歩一歩画面から遠ざかってゆくと、かすかではあるがそこにはイメージの残渣が置き去りにされている事を発見する。Powers of Tenのような時間と空間を超える抽象的な旅が彼の画面のなかで再生と消滅を繰り返す。ソウルでの個展もそろそろ始まっているはずだ、李氏朝鮮から日本に伝わった粉引の表面と油泥のフェティッシュがどんな出逢いをするのだろうか・・・。

 

(今西真也)

Why do his extremely orthodox screen paintings depicted in gold leaves sell so well? I find myself reluctant to verbalise the reason. There are many artists, like him, who choose risky methods of directly expressing the Japanese tradition, and it is difficult to negate that they all expose us to a certain sense of danger. It may be easy to call them the “NEORINPA”, but I do not wish to participate in falling into commercialism by doing so. One thing for certain, is that he does not place his work upon such extensions of Japanese tradition, and this can be subtly detected in the golden surplus of seas. It may be due to the noise derived from how he continues to question the abstract – different to Kazimir Malevich’s methods of interrogation. His golden screen paintings already had overtones of processes of abstraction from the beginning due to their rules of design; mixed with his experiences studying abroad in Italy and Switzerland, a hybrid world is being established. Whatever the reason, it is a formidable thing to make one crave for something.

 

(Ryo Shinagawa)

 

 

An artist who has acquired an iconology that allows anyone to recognise who’s work it is powerful! Her work infects those who see it, as a unique symbol. “I’ve seen it!”, “I have it too!”, “I saw it at his place!”. There is no doubt that this infectious quality is one of art’s most fundamental powers. Everyone is drawn to a powerful symbol, and yearns to own it. Of course, no day passes without artists praying for the advent of such a “god”. A few years ago, this small wave started in the graduation exhibition of a small art university in the East, and in the blink of an eye it was invading Asia starting with Taiwan and Malaysia. Even with the iconography seen on the internet, this blue becomes engraved to the mind, however, once exposed to the pressure of its raw paint outside the mediocre screen, we are vulnerably attacked by an extraordinary fetish. Though Bruno Latour said that there is no pathway between iconoclasm and fetish, people push his advice to the side, trying to gather in the grace of her gravity. I fantasise her continuing to create until every collector on earth own’s this gravity.

 

(Mina Katsuki)

 

I first encountered her work at the graduation exhibition of the Kyoto City University of Arts Graduate School. Art, especially painting, is a hot field where every day and night the most talented people from all over the world continue to extensively produce new images. In sports it may be to see a fantastic shoot at the World Cup, and in opera it may be the thrilling encounter with a tenor singer. But as the destiny of one who handles images, artists must accept the cruelty that this may weather, be consumed and turn into a thing of the past in an instant. This is the reason why it is not easy to continue creating iconography with new discoveries each time it is seen, and does not become boring. Then, to be blessed with the talent of being able to continue holding the brush abundantly, freely depicting rich colours and complex lines, is surely a rare thing. Last year in a group exhibition at a gallery in Kaohsiung Taiwan, I saw the local collectors becoming fanatical over her work. If there was to be one word to perfectly fit her work, it would be fanaticism. Experience the ecstasy like that of an opera house in standing ovation after the aria of a primadonna, in front of her work.

 

(Tomoko Takagi)

 

One of the emerging artists who made a sudden breakthrough at last year’s AFK. It was inevitable that the goddess of art would smile upon him as he did already have a sufficient career, not quite fitting for the term emerging, and was under the technical guidance of his recommender Ohba. Instantly, sharp-eyed directors from overseas purchased his work, he was received well at the private presentation held at the Shimogamo Saryo shortly after, and has also been invited to a group exhibition to be held in a Taiwanese commercial gallery, becoming a current figure of attention between connoisseurs. However, in contrast to such decorative facts, his canvas is one of deep tranquility that one could not come up with a word other than serene. A nature that one would never become tired of seeing, spreads across the luring surface of quiet water, which at a glance seems indifferent. Nothing in particular is depicted, and there is nothing preachy about it like an abstract painting; I had goosebumps when I randomly placed some silver grass, cut from a bush and wrapped in paper, in front of his work propped up on the alcove. We must celebrate the long-awaited birth of an independent painting, not influenced by the Japanese environment, or the IT business office.

 

(Naosuke Wada)

 

I believe he is in the middle of a shoot at a coalmine in Inner Mongolia as I write this. Making full use of his potential as a Chinese who lives in Japan and an English-speaker, he quickly became assistant to Cai Guo-Qiang at PARASOPHIA as he enters university, called by Cai as support for every exhibition thereafter, and also assisting the Indian guest artist in Shodoshima during Setouchi Triennale, getting a glimpse of the art etiquette amongst the top starting from an early stage. Such fruits are naturally incarnated in his work, but a simple sentence to explain his gifts would be, his formidable volume of production and travel distance. It is obvious that there is no shortcut or magic to flourishing as an artist; the overt fact that he continues to travel and observe, releasing the shutter in the midst of things, is what sustains him. Since being awarded the President’s Award at the graduation exhibition this February, he has been stepping up steadily winning awards at various competitions, and there must be no objection in overlapping the weight of the continental DNA, with the fact that his work holds an air of lucid eastern knowledge, unimaginable from someone as young as him.

 

(Kenryou Gu)

 

There are people here and there who disregard the fact that effort does not pay off and simply pursue their fetish. Artists are definitely one of these species. If effort is something that one is obliged to do, artists are those who wave goodbye to such things eternally. Imanishi’s paintings are tremendously thick. He bores grooves with the brush up-side-down, into the heavy oil-based mud (let’s not call it paint), heavy as an oil field, with layer after layer of oil accumulated like the stratum. He repeatedly leaves traces in the oil-based mud like Enku and Mokujiki. It even seems like a confession about eastern practices, in regards to the oil paint and brush born under the long tradition of Western Europe. After being absorbed in the canvas of eternal monochrome faults, you will discover the subtle residues of an image left behind as you step away, one by one from the canvas, thinking about the earth’s life in a distant geological period. An abstract journey like that in Powers of Ten surpassing time and space, repeats creation and destruction in his screen. His solo exhibition in Korea should be starting soon; what kind of encounter will the powder-sprayed pottery passed on to Japan from the Joseon Dynasty make with his fetish towards oil-based mud?

 

(Shinya Imanishi)

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